在紐約市中心崛起之時，這位長期居住在Chelsea Hotel的藝術家以探索時間本質創作了特別的作品

John Yau

走進鄭慶和變幻莫測的藝術世界

藝術家鄭慶和（Ching Ho Cheng）重新獲得關注已有很長一段時間，而藝術界遲遲未予其認可的一個原因或許在於，他是一位華裔美國酷兒藝術家，且從未將自己的性別或身份作為作品的主題。鄭慶和：「我從來不是一個傳統的中國人」，他點出：「我在華人社區從來都是局外人。」
鄭慶和1946年出生於哈瓦那，由於父親是中華民國外交官，鄭氏一家在1949年中華人民共和國成立後歸國之路便遙遙無期。1951年，他隨家人來到美國。1964至1968年期間，他們在紐約皇后區定居，在那裡長大的鄭慶和利用暑假在藝術學生聯盟（Arts Students League）上課，之後在柯柏聯盟學院（Cooper Union School of Art）學習繪畫，他曾先後居住在東村和蘇豪區，並常待在安迪．華荷（<a href="https://www.artbasel.com/catalog/artist/6751/Andy-Warhol">Andy Warhol</a>）與夥伴經常光顧的藝術家酒吧「Max's Kansas City。1976年，鄭慶和搬進了Chelsea Hotel。當時正值從觀念藝術到新表現主義的轉變時期，因而藝術界並未關注到這樣一位在布漿紙上用水粉作畫且追求精神性的藝術家。

據2021年為其在卓納畫廊（<a href="https://www.artbasel.com/catalog/gallery/1103/David-Zwirner">David Zwirner</a>）策展的Simon Wu所說，鄭慶和對「生與死的週期性」有著「畢生的興趣」。他的首批重要作品不僅色彩斑斕、明艷鮮亮，而且具有細緻複雜的構圖，靈感來自於「變化的狀態」。詩人兼翻譯家David Rattray在評論這些迷幻的畫作時觀察到鄭慶和對生命與宇宙的起源有著不尋常的關注，以及吠陀文學中提到開第三眼的心理現象。鄭慶和曾解釋道：「我的作品都在述說同樣的事情，只是我一直試圖以新的方式表達，一種未曾被嘗試的新方法。然而，其實並沒有真正的全新，這些事物都曾經被反覆述說，就像山巒一樣古老。我只能說，我以自己從未見過的方法呈現。」鄭慶和對本土藝術家試圖全盤複製傳統圖像的做法嗤之以鼻，例如：藏族、霍皮族（Hopi）或納瓦霍族（Navajo）。他指出：「這些全部由本土人士以自己無限的真誠（和更佳的技術）所創造的。」
鄭慶和的作品明確拒絕「挪用」這種司空見慣的藝術手法，而是追求更高難度的成就：獨創性。他迷幻般作品充滿了精確描繪的細節，包括宇宙球體、火焰、嘴唇及牙齒等。《Sun Drawing》（1970）充滿了微妙的細節和比例的變化，將觀眾拉進距離到看得清畫中爬過太陽黑色笑臉的蟲子。這種體驗奇異而令人不安；太陽的生命之光在這裡坍塌，變成了熱能驅動下的腐爛。但是，鄭慶和並沒有跟隨其同代藝術家來進一步將這種意象投射到更大幅的畫作中，而是在1970年代末轉向了一個完全不同的方向——這是他直至1989年逝世前終其一生都在做的事情。

除了他的標誌性創作之外，《Waterfall, Chelsea Hotel, New York》（1978）就以私密的角度呈現了這位藝術家者浴室。作品以水粉和墨水繪畫，一個閃亮的不鏽鋼花灑噴頭出現在粉紅色的方形磁磚牆前，上方有一排長方形的黑色磁磚，在這之上的牆壁油漆剝落。與鄭慶和在燦爛的太陽之中捕捉到崩塌的生與死一樣，水在這幅作品中被描繪為既是生存之必要，又可以將其消磨殆盡的媒介。面對無可避免的耗損與腐朽，剝落的油漆代表著一種長期的缺席：潔淨只是暫時性，失序則是無處不在——藝術既不是抵抗時間的堡壘．也不是躲避其影響的避難所。
在完成這組以自身背景為視角的組合——包括被光暈包圍的燈膽；被投射牆上的植物影子；熨衣板；壓扁的啤酒罐；煙頭及燃盡的火柴——鄭慶和將注意力轉向了最短暫的主題：光線，當它穿透窗戶在白牆上出現光影時便會出現。在他的三聯畫《Untitled》（1980）中，光線被視為一種不斷變化的現象。從左邊的畫開始：一條水平線將在奇異的綠色牆面上的黃色長方形分隔開來，形成一扇窗戶的陰影，並配有鎖頭。在中間的畫作中，窗戶變成了一個平行四邊形，與移動的太陽保持一致，最後的畫作以一個銳角的等腰三角形從右邊沿向下突出。在每塊畫作上，左下角的油漆都會剝落，創造了兩種時間單位：流動的光線及緩緩瓦解的環境。這種時間單位在鄭慶和的畫作《Untitled》（1982）中再次出現，憂鬱的藍色陰影映照在牆壁上的傍晚光線，牆角閃爍著一枚零落的銀釘。有些東西被移走了，但沒有任何東西取而代之。

在這樣的畫作中有一種深深的孤獨感——無論是其主題還是其精心描繪的畫作，都是藝術家在繪畫過程中思考時間流逝的有形記錄。這是全人類共有的必經之路，藝術家從未忘記這一點。他知道自己無法讓時間停止，但為了可以仔細觀察，他讓時間變緩。他一次又一次地找到方法，通過無懈可擊的構圖、最普通的物件、明亮的色彩及微妙的形式變化來思考死亡。
在他生命的最後階段，鄭慶和將紙浸泡在水中，加入石膏粉和塑膠彩，使其變成堅硬的物體。隨後，他加入鐵粉或銅粉，將紙張放回水中，使其鏽紅或氧化成綠色。在「Grotto」系列中，他將這些有紋理、被撕裂的曲線紙片掛在牆上，形成抽象的排列，讓人聯想到石窟的表面。1987年藝評人Gail Stavitsky寫道：這些「精湛的撕碎作品無法被歸類」。這些它們既不是素描、拼貼、繪畫，也不是雕塑，而是存在於四種媒介之間的「某個交匯點」。

雖然這並非鄭慶和有意為之，但我認為他在特定的紙上作畫是向當時的藝術界對觀念藝術家及具象藝術家的推崇作出含蓄的批評，例如約瑟夫．科蘇斯（Joseph Kosuth）和梅爾．波切內爾（Mel Bochner）及朱利安・許納貝（Julian Schnabel）和弗朗切斯科．克萊門特（Francesco Clemente）。鄭慶和既不喜歡把光當作光，也不喜歡為了誇張效果把顏料大面積塗抹在畫面上。這一點在他最後的作品《Alchemical Gardens》（1988）中表現得淋漓盡致。受到旅行中觀察到的風景啟發，鄭慶和將沾滿鐵屑的撕碎紙片漂浮在水面上，將其染紅。由此提醒人們：變化是大自然固有的，而我們也是其中一部分。

Bank（上海）將於2023年巴塞爾藝術展邁阿密海灘展會「藝術史事」（Survey）展區呈獻鄭慶和的作品，還將在2024年3月的巴塞爾藝術展香港展會上展出這位藝術家的作品，艾迪生美國藝術畫廊（Addison Gallery of American Art）也將於2026年舉辦鄭慶和的首次大型機構回顧展。
John Yau是美國詩人、藝評人和策展人，曾出版過50多本詩集、小說和藝術評論集。
2023年11月16日發佈。
網頁全幅圖片標題：鄭慶和，《The Astral Theatre Study》（局部），1972-1973，圖片由Bank提供

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藝術家

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Intro

Left: Sun Drawing, 1970. Right: Waterfall, Chelsea Hotel, New York, 1978.

P1+2

Portrait

P3+4

Untitled, 1979

P5+6

Window Triptych

P7+8+9

Freeway Lights

Credits

H2 - Headline title

Information module

Coming of age with the rise of New York City's downtown scene, this long-time Chelsea Hotel resident produced a singular body of work exploring the nature of time

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