Née en 1963 au Caire, vit et travaille à New York

Dimensions variables

Bronze coulé à la cire perdue avec patin

Dans ses peintures, sculptures et broderies, Ghada Amer dépeint des femmes à l’érotisme assumé afin de renverser les notions d’objectification et de visibilité. Les Paravent Girls sont nées sous la forme de boîtes en carton sur lesquelles Ghada Amer a dessiné des visages, dont elle a ensuite fait des moules en argile pour les fondre en bronze. Striées de rainures, les sculptures conservent une part de leur forme originelle. Agissant comme des paravents protégeant des regards, ses œuvres nous invitent à réfléchir sur la frontière entre vie privée et vie publique.

Audioguide

Cliquez ici pour écouter notre audioguide et en savoir plus sur le projet de Ghada Amer.

Notice rédigée par les élèves de l'École du Louvre

Ghada Amer est une artiste égyptienne née en 1963 au Caire. Elle a effectué ses études d’art à la Villa Arson, à Nice, et travaille aujourd’hui à New-York. Ses oeuvres sont d’abord caractérisées par l’association de la peinture et de la broderie, puis, l’artiste s’intéresse aux techniques de la sculpture et de la céramique. Ghada Amer développe un discours féministe dans son art. Elle interroge la place des femmes dans la société contemporaine en utilisant leurs corps comme motifs dans la plupart de ses réalisations. Les Paravent Girls constituent ses premiers travaux en bronze, et manifestent une nouvelle avancée dans sa pratique artistique. 

Ces sculptures en bronze fonctionnent comme une série de panneaux évoquant trois paravents ornés sur chaque côté de visages de femmes en bas-relief. 

Ces oeuvres sont réalisées à partir de boîtes en carton dépliées sur lesquelles l’artiste peint des images de femmes issues de revues pornographiques. Au fur et à mesure du tracé, la peinture créée des coulures que l’artiste immortalise en les modelant, ainsi que les contours des dessins, avec de l’argile. Le tout est ensuite moulé dans du bronze grâce au procédé de la fonte à la cire perdue. Les oeuvres obtenues ainsi conservent la matérialité et la forme du carton, ainsi que la disposition sur la tranche, ce qui permet d’y voir une série de paravents. 

Dans l’interprétation de l’artiste, le paravent est un objet possédant des connotations érotiques. L’objet cache une scène intime au regard tout en la suggérant. Cependant ici, au lieu de dissimuler, Ghada Amer choisit de révéler ces scènes, inscrites sur les parois, détournant ainsi l’objet. Ces images, hors de leur contexte, ne présentent que les portraits des femmes. L’accent est mis sur leurs regards, parfois rivés sur le spectateur ou bien l’évitant, l’invitant ou non à participer. Ces scènes ne sont pas identifiables à de la pornographie. En effet l’artiste souhaite mettre en valeur l’expressivité des femmes plutôt que leurs corps, et inverser ainsi la tendance de leur média d’origine qui les réduit à de simples objets de désir et de contemplation pour le regard masculin. L’artiste, en se réappropriant ces modèles, interroge la sexualité féminine et le regard que la société y appose, dans une perspective féministe, pour faire prendre conscience au spectateur de ses biais. 

Avec cette série, Ghada Amer construit un discours encourageant les femmes à se réapproprier et assumer leur image, leur corps et leur sexualité. 

Siona Samoian et Enora Vauterin

Né en 1920 à Paraisópolis, décédé en 2002 à Belo Horizonte

98 x 100 x 74 cm

Acier

Au début de sa carrière Amilcar de Castro, graphiste brésilien, composait des maquettes pour des journaux et magazines. Son talent pour la mise en valeur de surfaces planes s’est ensuite naturellement transposé à la sculpture. La technique « one cut, one fold » (« une découpe, un pli ») devenue sa signature, consiste à couper et tordre des feuilles de métal sans ajouter, retirer, ni souder quelque matériau que ce soit. C’est avec grâce que les formes minimalistes ainsi créées évoluent dans le temps, la rouille et le vieillissement de la texture faisant partie intégrante de l’œuvre.

Audioguide

Cliquez ici pour écouter notre audioguide et en savoir plus sur le projet de Amilcar de Castro.

Notice rédigée par les élèves de l'École du Louvre

« Les peintres voient le monde à travers la couleur. Je suis sculpteur. Je vois le monde à travers les lignes. » (Carnets d’Amilcar de Castro) 

Né en 1920 à Paraisópolis au Brésil, Amilcar de Castro est un artiste majeur du XXème siècle en Amérique du Sud. Il intègre la Escola de Belas Artes de Belo Horizonte en 1944 où il reçoit une formation artistique académique. Graphiste, maquettiste, peintre, il se concentre ensuite sur la sculpture à partir des années 1960 et s’inscrit dans le néo-concrétisme brésilien. Ce mouvement débute par un manifeste en 1959 et se fonde sur l’abstraction géométrique inspirée des mouvements Bauhaus et De Stijl, tout en ajoutant une portée sensorielle et poétique. La série de sculptures One Cut, One Fold est l’aboutissement des recherches de l’artiste autour de la ligne et de l’espace. Il s’y consacre majoritairement jusqu’à la fin de sa vie en 2002. 

Ces trois sculptures d’environ un mètre de hauteur sans socle sont issues de cette série. A partir de plaques d’acier rectangulaires, l’artiste propose trois formes tridimensionnelles. La première est pliée et découpée en diagonale en son centre. La deuxième est découpée au milieu et l’un des deux côtés est plié. Enfin, la dernière sculpture semble découpée à deux endroits vers l’avant tandis que la courbure se dirige en arrière. Chaque sculpture est ainsi régie par un travail de lignes unique créé par un pli et une découpe. L’acier brut est rongé par la rouille, leur donnant une couleur brune. 

Les sculptures ont été réalisées selon la méthode de travail spécifique à la série, qui consiste à travailler le matériau en réalisant seulement un pli et une découpe. Chaque oeuvre propose plusieurs jeux de contrastes. D’une part, la lourdeur du matériau s’oppose à l’impression de légèreté créée par l’équilibre des plis et des courbes. D’autre part, des jeux d’ombre et de lumière sont permis par l’alternance entre les pleins et les vides de la matière. Tous ces contrastes confèrent à la sculpture pourtant massive un aspect dynamique. 

Lorsque les oeuvres sont achevées, Amilcar de Castro considère qu’elles débutent une vie autonome. En effet, l’artiste désire exposer ces oeuvres en extérieur. Posées à même le sol, les sculptures sont directement accessibles au public qui peut tourner autour, s’approcher et se l’approprier. La multiplicité des points de vue possibles participe au dynamisme de l’oeuvre, notamment la découpe qui offre une ouverture sur le paysage du Domaine national du Palais-Royal. En ne traitant pas l’acier, l’oxydation et l’usure des oeuvres deviennent l’aboutissement de cette rencontre entre l’oeuvre et son environnement, selon l’artiste qui souhaite l’inscrire dans le temps.

Coline Duthoit 

Héloïse Mascarin

Né en 1954 à Oldeburg, vit et travaille à Düsseldorf

220 x 90 x 100 cm

Bronze patiné sur socle en acier par l’artiste

Ce buste rend hommage à Moondog, un musicien, artiste et poète non-voyant connu pour ses tenues excentriques inspirées des vikings et son appartenance à la scène underground new-yorkaise. Créée à partir d’un moulage à la cire perdue, la sculpture est une nouvelle version de Hund III (2004) de l’artiste : une approche caractéristique de sa méthode qui consiste à revenir sur ses propres créations. Sa présence à Paris est un clin d’œil aux liens étroits qu’entretenait Moondog avec la capitale française à la fin de sa vie.

Audioguide

Cliquez ici pour écouter notre audioguide et en savoir plus sur le projet de Thomas Schütte.

Notice rédigée par les élèves de l'École du Louvre

Thomas Schütte est un artiste allemand né à Oldenburg (RFA) en 1954 et reconnu pour sa pluridisciplinarité. En 1973, il se forme aux Beaux-Arts de Düsseldorf et se met progressivement à distance des grands mouvements artistiques de son temps, soit l'art minimal et l'art conceptuel. Il appartient à une nouvelle génération d’artistes qui souhaite renouveler la figuration. Ainsi, il emploie différents matériaux, autant traditionnels tels l’argile, la céramique ou le bronze, que modernes, comme l’impression 3D. 

En sculpture, l’artiste est fasciné par la représentation humaine. Il explore la psychologie et le comportement des individus dans la société contemporaine pour s'intéresser à la période dans laquelle il s’inscrit. 

Tribute to Moondog (2024) représente un buste de chien aux oreilles dressées. Ce motif est déjà présent dans l’Oeuvre de Schütte qu’il développe notamment avec sa série « Hunde » (2003-2022). En effet, l’artiste utilise plusieurs fois le même moule, pour perfectionner son modèle dans le temps. La forme du chien est ainsi renouvelée au fil des différentes oeuvres qui lui confèrent symboliquement une nouvelle vie. Ici, elle appartient à une nouvelle histoire en devenant un buste en hommage à Louis Thomas Hardin (1916-1999) Ce dernier était un musicien américain, aveugle, sans-abri, compositeur autodidacte prolifique connu sous le pseudonyme de Moondog. Véritable figure de l’underground new-yorkais des années 60-70, il affirmait son identité en faisant référence à la culture et la mythologie nordique dont il est passionné. En effet, il arbore une tenue de viking comme signature artistique et a choisi d'utiliser son surnom en référence à Hati, le loup qui poursuit la lune. 

Ainsi, Thomas Schütte ne représente pas directement Louis Thomas Hardin mais, par un chien, l’incarnation de son pseudonyme. Le travail du bronze pour représenter le pelage de l’animal, traité avec irrégularité, évoque la surface de la Lune. Enfin, en disposant au niveau de ses yeux une paire de lunettes, l’artiste teinte son oeuvre d’une pointe d’ironie faisant référence à la cécité du musicien.

Cette année, Thomas Schütte célèbre ses soixante-dix ans et le Museum of Modern Art (New York) lui consacre une rétrospective mettant en valeur son travail polymorphe. Architecte, dessinateur, peintre, sculpteur, depuis son immersion dans le monde de l’Art et jusqu'à aujourd'hui, il défie tous les genres pour les revitaliser et les transformer en témoins de son présent. 

Hippolyte Ammou et Léa Favier